Cuando pienso en el futuro del Diseño de Moda, veo dos grandes caminos.
Por un lado, el de los Diseñadores de Moda muy vinculados al desarrollo de producto y a la producción. Necesitarán una base técnica sólida y tendrán que integrar la inteligencia artificial y las herramientas digitales en procesos cada vez más eficientes.
Por otro, el del Diseñador Artesano de excelencia, capaz de crear un producto singular cuya calidad se advierte al mirarlo de cerca. El material está bien elegido, la construcción responde al cuerpo y el acabado confirma el tiempo dedicado.
No hablo de enfrentar ordenadores y máquinas de coser. Tampoco de repartir a los profesionales entre quienes tienen creatividad y quienes dominan la técnica. Ambos caminos necesitan creatividad y conocimiento. Lo que cambia es dónde está su principal aportación.
Mi previsión es que estas dos formas de aportar valor cobrarán cada vez más importancia: resolver con rigor una necesidad que se puede repetir y crear algo excepcional que no tenga sentido convertir en una repetición masiva.
Vestir a miles de millones de personas también es un reto de Diseño
A veces hablamos de Moda como si todo sucediera sobre una pasarela.
Pero la revisión demográfica de Naciones Unidas situaba ya la población mundial en unos 8.200 millones de personas en 2024. Esa dimensión ayuda a recordar que vestir no es una actividad reservada a quienes siguen las colecciones o compran productos exclusivos. Fuente: Naciones Unidas, World Population Prospects 2024.
La ropa nos acompaña en el trabajo y en el tiempo libre, y responde a necesidades muy distintas. Tiene que protegernos y permitirnos movernos con comodidad, pero también participa en la forma en que nos presentamos ante los demás.
Para mí, desarrollar bien esa ropa es una responsabilidad de Diseño de primer nivel.
Una prenda de trabajo que permite moverse con comodidad, un pantalón con un ajuste bien resuelto o una chaqueta que responde a su uso previsto no me parecen proyectos menores por no estar destinados a una pasarela.
Diseñar para muchas personas no significa diseñar sin criterio. Significa conseguir que ese criterio funcione de manera consistente.
Y eso exige pensar más allá de una unidad que queda bien en una fotografía. Hay que saber trasladar la propuesta a distintas tallas y explicarla con precisión a producción. Solo así podrán mantenerse las características que le dan sentido.
El Diseñador orientado a la producción necesitará mucho más que ideas
A este primer perfil le exigiría que conectara la intención creativa con la realidad de los materiales y el patronaje. Las decisiones de proceso y coste forman parte del mismo trabajo.
No me bastaría con que imaginara una prenda. Querría que comprendiera qué decisiones permiten desarrollarla y cuáles pueden complicar innecesariamente su fabricación.
La tecnología forma parte de este escenario. Mango ha documentado el uso de IA generativa para apoyar a sus equipos de Diseño y producto en la exploración de estampados, tejidos y prendas. No es, por tanto, una aplicación puramente hipotética. Fuente: Mango Fashion Group.
También existen herramientas como CLO 3D que permiten visualizar digitalmente la silueta, el ajuste y el comportamiento representado de los tejidos, además de trabajar con muestras virtuales y colaboración a distancia. Fuente: CLO Virtual Fashion.
Mi previsión es que el Diseñador de Moda orientado a la producción tendrá que integrar cada vez mejor estas posibilidades. Pero no confundiría integración tecnológica con acumular aplicaciones.
Me interesa un profesional que utilice cada herramienta con un propósito claro y sepa hasta dónde puede confiar en el resultado que obtiene.
Por ejemplo, ante una colección, no consideraría suficiente generar muchas alternativas visuales. Primero tendría que seleccionar las que merece la pena desarrollar. A partir de ahí, justificaría el material y resolvería la construcción antes de comunicar el producto a producción.
La productividad que me interesa no consiste en presentar cien propuestas cuando antes presentábamos diez. Consiste en llegar antes a una decisión bien fundamentada y evitar errores que obligan a repetir trabajo. Cuando el equipo se coordina mejor, esa ganancia de tiempo también mejora el producto.
La IA debería multiplicar la capacidad de un profesional, no convertirse en un sustituto de su comprensión.
Ser productivo no debería significar producir más de todo
Aquí considero necesario hacer una distinción.
Que miles de millones de personas necesiten vestirse no demuestra que debamos fabricar cada vez más prendas. Vestir también puede implicar prolongar la vida de lo que ya existe, ya sea mediante reparación o adaptación.
La estrategia europea para los textiles plantea precisamente una visión para 2030 basada, entre otros objetivos, en productos duraderos, reparables y reciclables, y en una mayor disponibilidad de servicios de reutilización y reparación. Son objetivos de transformación, no una descripción de algo que ya se haya conseguido. Fuente: Comisión Europea, estrategia para los textiles.
Por eso, cuando defiendo la productividad, no estoy defendiendo una carrera para llenar el mercado de más referencias.
Pensemos en un caso hipotético: una colección en la que detectamos un problema antes de enviar la especificación a producción. Evitar esa modificación tardía me parece más relevante que aumentar el número de imágenes producidas cada día.
Tampoco aceptaría que «eficiencia» significara exigir a una persona el trabajo de un equipo entero.
Para mí, producir mejor significa emplear los recursos con criterio y organizar el trabajo para que el producto se resuelva bien desde el principio.
El otro camino: el Diseñador Artesano de excelencia
El segundo perfil que veo con claridad no compite principalmente por la cantidad de unidades que puede desarrollar o por la velocidad con la que las entrega.
Su principal aportación está en la singularidad y en la maestría.
Pero quiero insistir en algo: no me refiero a cualquier producto que lleve la etiqueta de “artesanal”.
No considero que una prenda sea extraordinaria simplemente porque esté hecha a mano. Tampoco aceptaría una ejecución deficiente justificada mediante el argumento de que «las imperfecciones forman parte de la artesanía».
Una cosa es la variación intencionada que aporta carácter. Otra es un defecto que perjudica la prenda o acorta su duración.
El Diseñador Artesano que me interesa empieza por conocer profundamente el material. Ese conocimiento se hace visible en la construcción y en cada detalle, y le permite reconocer cuándo una pieza todavía necesita trabajo.
Puede trabajar en una chaqueta a medida o investigar una estructura propia en una pieza de punto. En otros casos, su aportación estará en construir un volumen excepcional o en cuidar el interior con la misma exigencia que la parte visible.
No le pediría que lo hiciera todo sin ayuda. La excelencia puede pertenecer a una persona o a un taller donde colaboran diferentes especialistas.
El tiempo invertido no necesita exhibirse; el conocimiento debe percibirse en el resultado.
La artesanía de excelencia como expresión del nuevo lujo
Aquí está una de mis convicciones: creo que una parte importante del lujo reforzará su relación con objetos singulares y extraordinariamente bien hechos, capaces de establecer un vínculo personal con quien los encarga.
No porque esa relación sea nueva. Hermès, por ejemplo, describe su actividad vinculando la calidad de los materiales y el rigor artesanal con la creación de objetos pensados para durar. La asociación entre lujo y oficio ya existe. Fuente: Hermès, Creative freedom.
Lo que planteo es una previsión sobre el peso que esa diferencia puede adquirir: cuanto más fácil resulte reproducir una apariencia, más interesante me parece aquello cuyo valor no termina en parecer exclusivo.
Ese valor puede comenzar con una pieza concebida para una persona concreta y ajustada a su cuerpo. Se sostiene en la elección consciente del material y en un trabajo difícil de reproducir con el mismo nivel. La relación directa con quien la desarrolla completa una experiencia que no depende solo de la apariencia.
Ese es el lujo que me interesa.
No necesariamente el que se reconoce primero por un logotipo, sino el que ofrece razones para valorarlo incluso cuando el nombre de la marca no está a la vista.
El estudio de Bain y Altagamma publicado en diciembre de 2025 también reclama que las marcas de lujo refuercen la creatividad, la calidad y aquello que realmente las diferencia. Eso no demuestra que todo el lujo vaya a convertirse en artesanía, pero sí encaja con la necesidad de justificar mejor el valor del producto. Fuente: Bain y Altagamma.
Mi apuesta no es que desaparezcan las grandes marcas. Es que exista más espacio para reconocer una excelencia que no dependa únicamente de su notoriedad.
Si todos tuviéramos un Ferrari…
Lo explicaría con una comparación.
Imaginemos que todos tuviéramos el mismo Ferrari y que encontrar uno fuera tan habitual como encontrar cualquier objeto cotidiano.
Podría seguir siendo técnicamente extraordinario. Pero perdería buena parte de lo que lo hace excepcional como elemento de distinción. Si algo está al alcance de todo el mundo y se encuentra en todas partes, su exclusividad deja de funcionar de la misma manera.
Con la Moda plantearía una pregunta parecida: ¿hasta qué punto puede sostenerse la promesa de singularidad cuando la experiencia consiste en adquirir exactamente lo mismo que muchas otras personas?
Ahora bien, fabricar una sola unidad y ponerle un precio elevado tampoco basta. La exclusividad no corrige un mal Diseño ni una confección deficiente.
Por eso, mi idea de ese nuevo lujo parte de la calidad y de una intención clara. La singularidad solo tiene valor si se traduce en una experiencia que tenga sentido para quien elige la pieza.
No espero que todos los compradores valoren lo mismo. El reconocimiento de una marca seguirá pesando para algunos; otros darán más valor al servicio personal o a una pieza que prácticamente nadie identifique. Mi visión se centra en quienes quieren algo verdaderamente personal y bien hecho.
No son dos mundos incompatibles
Sería un error deducir que el Diseñador orientado a la producción tiene que renunciar al oficio o que el Diseñador Artesano debe rechazar la tecnología.
Un taller artesanal puede utilizar patronaje digital, simulación 3D o IA como apoyo para determinadas tareas. No consideraría que eso le resta valor si la herramienta está al servicio de la propuesta y se explica honestamente cómo se trabaja.
Del mismo modo, un equipo industrial debería comprender el comportamiento de los materiales y las decisiones de construcción. No le concedería permiso para ignorarlas por disponer de buenos programas.
También veo espacio entre ambos extremos. Una pequeña serie puede producirse bajo pedido, incorporar personalización o combinar el trabajo de un taller con un equipo digital.
Por eso hablo de dos grandes caminos, no de dos únicos puestos de trabajo ni de dos categorías cerradas.
Y tampoco propongo una división entre ropa mediocre para la mayoría y ropa excelente para una minoría. La calidad debería ser una exigencia en ambos casos, aunque se aplique de manera distinta. Una producción amplia debe repetir bien el resultado; una pieza artesanal puede dedicar mucha más atención a una sola persona.
El reto será demostrar qué aportamos
No daría por asegurado el éxito de ninguno de estos perfiles.
El Diseñador tecnológico no tendrá garantizado un puesto por aprender IA. El Diseñador Artesano tampoco tendrá garantizada una clientela por ejecutar un trabajo magnífico. Ambos tendrán que encontrar un contexto donde su aportación se valore y permita sostener una actividad profesional.
Pero sí creo que estos caminos ayudan a formular una pregunta útil:
¿Qué sé hacer que mejora de verdad el producto o la experiencia de quien lo utiliza?
En un caso, la respuesta puede estar en conseguir que el desarrollo sea preciso y repetible, con un proceso que el equipo entienda.
En el otro, en un dominio del oficio que permita adaptar cada pieza a una persona sin perder singularidad.
Esta visión también tiene consecuencias para la formación. No prepararía del mismo modo a quien quiere incorporarse a un equipo de desarrollo industrial que a quien quiere construir un taller de autor, aunque ambos necesiten una base compartida.
Lo que no haría sería ofrecerles únicamente una identidad de «persona creativa» y dejar que descubrieran después cómo convertirla en un trabajo.
Tecnología para producir mejor. Maestría para crear lo excepcional.
No veo el futuro del Diseño de Moda como una elección entre modernidad y tradición.
Veo una profesión que necesitará utilizar mejor la tecnología y, al mismo tiempo, comprender mejor el valor de aquello que no debería reducirse a una reproducción rápida.
Un camino buscará desarrollar con rigor productos que puedan llegar a muchas personas. El otro buscará crear piezas cuya singularidad merezca una atención especial.
Tanto la producción como la artesanía necesitan conocimiento y creatividad. Ninguna de las dos debería sostenerse sobre condiciones de trabajo indignas.
Mi apuesta es esta: la tecnología nos ayudará a producir mejor; la artesanía de excelencia nos dará razones para seguir deseando lo excepcional. El futuro del Diseñador de Moda estará en saber qué aporta a uno de esos caminos, o cómo construye una relación valiosa entre ambos.
Imágenes ilustrativas generadas con IA para FASHIONTECA.